El cine fue oficialmente inaugurado como espectaculo en paris, el 28 diciembre de 1895. Desde entonces ha experimentado una serie de cambios en varios sentidos. Por un lado, la tecnología del cine ha evolucionado mucho, desde el primitivo cinematografico mudo de los hermanos lumiere, hasta el cine digital delsiglo XXI. Por otro lado, ha evolucionado el lenguaje cinematográfico, incluyendo las convenciones del género, creando así los generos cinematograficos. En tercer lugar, ha evolucionado con la sociedad, surgiendo así distintos movimientos cinematograficos y cinematografías nacionales.
HISTORIA DEL CINE.
Primeros pasos del cine:
La idea de capturar el movimiento por medios mecánicos es muy antigua. Existieron antecedentes en la [[cámara oscura]], o el [[taumatropo]]. La técnica para captar la realidad por medios luminosos había sido ya desarrollada por los inventores del [[daguerrotipo]] y la [[fotografía]], a mediados del [[siglo XIX|XIX]]. [[Thomas Alva Edison]], inventor de la [[lámpara incandescente]] y el [[fonógrafo]], estuvo muy cerca también de inventar el cine, al patentar el [kinetoscopio] creado en su laboratorio por William Dickson, el cual, sin embargo, sólo permitía funciones muy limitadas. Inspirándose en éste, los hermanos Lumière], hijos del fotógrafo [Antoine Lumière], crearon e[cinematógrafo]. La primera presentación fue en el ya mencionado [[28 de diciembre]] de [[1895]], en París, y consistió en una serie de imágenes documentales, de las cuales se recuerdan aquella en salen los trabajadores de una fábrica, y la de un tren que parecía abalanzarse sobre los espectadores, ante lo cual éstos reaccionaron con un instintivo pavor.
Por un tiempo, el cine fue considerado una atracción menor, incluso un número de feria, pero cuando George Méliès usó todos sus recursos para simular experiencias mágicas, creando rudimentarios -pero eficaces- efecto especial|efectos especiales, los noveles realizadores captaron las grandes posibilidades que el invento ofrecía. De esta manera, en la primera década del siglo XX surgieron múltiples pequeños estudios fílmicos, tanto en Estados Unidos como en Europa. En la época, los filmes eran de pocos minutos y metraje, trataban temas más o menos simples, y tanto por decorados como por vestuario, eran de producción relativamente barata. Además, la técnica no había resuelto el problema del sonido, por lo que las funciones se acompañaban con un piano y un relator ver cine mudo. Pero en este tiempo surgieron la casi totalidad de los géneros cinematográficos cine de ciencia ficción|ciencia ficción, cine histórico históricas o de época; el género ausente fue, por supuesto, la comedia musical, que debería esperar hasta la aparición del cine sonoro.
También en la época se produjeron los primeros juicios en torno a los derecho de autor|derechos de autor de las adaptaciones de novelas y obras teatrales al cine, lo que llevaría con el tiempo a la creación de las franquicia medios de comunicación franquicias cinematográficas basadas en personajes o sagas.
Hollywood y el Star System
En Estados Unidos, el cine tuvo un éxito arrollador, por una peculiar circunstancia social: al ser un país de inmigrantes, muchos de los cuales no hablaban el idioma inglés , tanto el teatro como la prensa o los libros les estaban vedados por la barrera idiomática, y así el cine mudo se transformó en una fuente muy importante de esparcimiento para ellos.
Oliendo este negocio, y basándose en su patente sobre el kinetoscopio, Thomas Alva Edison intentó tomar el control de los derechos sobre la explotación del cinematógrafo. El asunto no sólo llegó a juicio, de Edison contra los llamados productores independientes, sino que se libró incluso a tiro limpio. Como consecuencia, los productores independientes emigraron desde Nueva York y la costa este, donde Edison era fuerte, hacia el oeste, recientemente pacificado. En un pequeño poblado llamado Hollywood, encontraron condiciones ideales para rodar: días soleados casi todo el año, multitud de paisajes que pudieran servir como locaciones, y la cercanía con la frontera de México, en caso de que debieran escapar de la justicia. Así nació la llamada Meca del Cine, y Hollywood se transformó en el más importante centro cinematográfico del planeta.
La mayor parte de los estudios fueron sobre la merca 20th Century Fox|Fox, Universal, Paramount controlados por Darryl F. Zanuck, Samuel Bronston, Samuel Goldwyn, etcétera, y miraban al cinematógrafo más como un negocio que como un arte. Lucharon entre sí con tesón, y a veces, para competir mejor, se fusionaron: así nacieron 20th Century Fox de la antigua Fox y Metro-Goldwyn-Mayer unión de los estudios de Samuel Goldwyn con Louis B. Mayer. Estos estudios buscaron controlar íntegramente la producción fílmica. Así, no sólo financiaban las películas, sino que controlaban a los medios de distribución, a través de cadenas de salas destinadas a exhibir nada más que sus propias películas. También contrataron a director de cine directores y actor es como si fueran meros empleados a sueldo, bajo contratos leoninos; fue incluso común la práctica de prestarse directores y actores entre sí, en un pasando y pasando, sin que ni unos ni otros tuvieran nada que decir al respecto, amarrados como estaban por sus contratos. Esto marcó la aparición del star-system, el sistema de estrellas, en el cual las estrellas del cine eran promocionadas en serie, igual que cualquier otro producto comercial. Sólo Charles Chaplin, Douglas Fairbanks y Mary Pickford se rebelaron contra esto, pudiendo hacerlo por su gran éxito comercial, y la salida que encontraron fue sólo crear un nuevo estudio para ellos solos: United Artists. Se habla así, de la producción hollywoodense entre las décadas de 1910 y 1950, como de cine de productor, donde contaba más el peso del productor de cine productor que conseguía el financiamiento, que el director encargado de plasmar una visión artística.
En Estados Unidos, el cine tuvo un éxito arrollador, por una peculiar circunstancia social: al ser un país de inmigrantes, muchos de los cuales no hablaban el idioma inglés inglés, tanto el teatro como la prensa o los libros les estaban vedados por la barrera idiomática, y así el cine mudo se transformó en una fuente muy importante de esparcimiento para ellos.
Oliendo este negocio, y basándose en su patente sobre el kinetoscopio, Thomas Alva Edison intentó tomar el control de los derechos sobre la explotación del cinematógrafo. El asunto no sólo llegó a juicio, de Edison contra los llamados productores independientes, sino que se libró incluso a tiro limpio. Como consecuencia, los productores independientes emigraron desde Nueva York y la costa este, donde Edison era fuerte, hacia el oeste, recientemente pacificado. En un pequeño poblado llamado Hollywood, encontraron condiciones ideales para rodar: días soleados casi todo el año, multitud de paisajes que pudieran servir como locaciones, y la cercanía con la frontera de México, en caso de que debieran escapar de la justicia. Así nació la llamada Meca del Cine, y Hollywood se transformó en el más importante centro cinematográfico del planeta.
Cine Mudo
Suele hablarse de cine mudo, de la época silente o muda, y esto no es del todo exacto aunque es cierto que las proyecciones no podían por sí mismas sino mostrar imágenes en movimiento sin sonido alguno. Pero las proyecciones en las salas iban acompañadas de la música tocada por un pianista o una pequeña orquesta y además comentada por la voz de un explicador, imprescindible figura que hacía posible que multitudes analfabetas o inmigrantes desconocedores del idioma entendieran la película. Además las productoras encargaban partituras originales para sus películas más prestigiosas, con lo que al cine ya sólo le faltaba hablar, pero se tenía ya la concepción de una obra creada entre la imagen y el sonido. El cine mudo, en realidad, mudo del todo, en cierto modo no era.
El Cine Mudo Europeo
Mientras tanto, el cine seguía otros caminos en Europa. Allí, el sentido del negocio se basó en el monopolio del celuloide. Surgieron grandes empresas cinematográficas que, con Francia a la cabeza, dominaron el mercado mundial hasta la Gran Guerra, en que su hegemonía fue reemplazada por la de la industria Estados Unidos de América estadounidense. Hasta 1914, Europa, con productoras como la Gaumont, la Pathé o la Itala films, dominaron los mercados internacionales. Así, el cine cómico francés, con André Deed y Max Linde o el peplum|colossal italiano, con grandes escenografías y participación de extras, en películas como ''Quo Vadis? película de 1912 Quo vadis?'' 1912 o Cabiri 1914 fueron la escuela donde aprendieron Charles Chaplin y el cine cómico norteamericano o David W. Griffith que asumió los presupuestos del ''peplum'' en ''Judith de Betulia'' o ''Intolerancia''. Más tarde Europa sufrió una patente decadencia debido a la Primera Guerra Mundial, que marcó la pérdida de la preponderancia internacional de su cine.
Aun así, tras la guerra, se crearon obras maestras que iban a hacer escuela. El movimiento más importante en estos años fue el Expresionismo cine Expresionismo, cuyo punto de partida suele fijarse con la película ''El gabinete del doctor Caligari'' 1919, y cuya estética extraña y alienada respondía a los miedos de la Europa de postguerra, seguida después por ''Nosferatu, el vampiro'' 1922. También, en paralelo al surrealismo|movimiento surrealista en pintura y literatura, surgió un cine surrealista, cuyo exponente más célebre es ''Un perro andaluz''.
Por su parte el cine nórdico contaba con las figuras de Victor Sjöström y Mauritz Stiller en Suecia y Finlandia respectivamente.
La creación del lenguaje cinematográfico:
''En esos años, la técnica de contar una historia en imágenes sufrió una gran evolución. Los primeros cineastas concebían al cine como teatro filmado. En consecuencia, los escenarios eran simples telones
pintados, y se utilizaba una cámara estática. A medida que pasó el tiempo, los directores aprendieron técnicas que hoy por hoy parecen básicas, como mover la cámara ,por ejemplo, el travelling) o utilizarla en ángulo Plano lenguaje audiovisual picado, Plano (lenguaje audiovisual)contrapicado), pero que en esa época eran ideas revolucionarias. También se pasó desde el telón pintado al escenario tridimensional, por obra especialmente de los cine histórico|filmes históricos rodados en Italia en la década de los años diez ''Quo Vadis? película uo vadis?'' o ''Cabiria''.
Dos cineastas fueron claves en este proceso. En Estados Unidos, David W. Griffith, con ''El nacimiento de una nación'' e ''Intolerancia'', cambió el cine para siempre, hasta el punto que se afirma que con él nace de verdad el lenguaje cinematográfico. En la Unión Soviética, otro tanto realize Sergéi Eisenstein, con películas claves como ''El acorazado Potemkin'' u '' película Octubre'', entre otras; a Eisenstein se le debe el llamado montaje de atracciones, que busca mezclar imágenes chocantes para provocar una asociación emocional o intelectual en el público. Gracias a ellos, y a los expresionistas alemanes ya mencionados, el lenguaje fílmico alcanza su madurez en la década de 1920.
Los géneros cinematográficos:
La industrialización del cine hizo nacer también las llamadas ''convención de género convenciones de género'', y por ende, los género cinematográfico géneros cinematográficos propiamente tales.
El primer cine era documental: escenas de obreros saliendo de las fábricas y cosas así. Pero el cine documental en cuanto tal, recién vino a nacer en 1922, con el filme ''Nanook el esquimal''. Aunque nunca demasiado popular, de tarde en tarde se rodarían algunos clásicos, como por ejemplo 'El mundo sumergido'', de Jacques Cousteau.
El cine histórico y cine bíblico bíblico por su parte, caminarían de la mano, en la búsqueda de la espectacularidad. Desde antiguo se habían rodado películas sobre la vida de Cristo por ejemplo, ''Del pesebre a la cruz'' (1912). Sin embargo, el cineasta que le dio verdadera carta de naturaleza al cine histórico o bíblico fue Cecil B. DeMille, con hitos como ''Los diez mandamientos (película de 1923)Los diez mandamientos'' (versión original de 1923 y remake de 1956), ''Rey de reyes'' 1927 o ''Cleopatra (película de 1934) Cleopatra'' (1934). Otro clásico de época es ''Lo que el viento se llevó (película)|Lo que el viento se llevó'', estrenada tras varias peripecias en 1939.
En la década de 1930 surgen también, estrechamente hermanados, el cine de gángsters y el cine negro. Hitos claves del cine gangsteril fueron el ''Scarface'' de 1932 o ''Hampa dorada'', y un director clave fue Howard Hawks. Su éxito se explica por la dosis de crítica social que dichos filmes envolvían, sobre la situación posterior a la Gran Depresión de 1929. Además, fueron campo de experimentos formales con la iluminación, con fuerte influencia de los cineastas europeos herederos del Expresionismo, muchos de los cuales habían llegado a Hollywood huyendo del Tercer Reich, por ese entonces ascendente. Quizás el actor más asociado con el género es Humphrey Bogart, con clásicos como ''Casablanca (película) Casablanca'', ''El halcón maltés'' o ''El sueño eterno''.
El cine fantástico y de cine de ciencia ficción ciencia ficción había también experimentado su propio desarrollo, paralelo a un elemento que le era indispensable: el desarrollo de los efectos especiales. Ya Georges Méliès había diseñado una curiosa fantasía llamada ''Le Voyage dans la Lune De la Tierra a la Luna'', vagamente basada en la novela de Julio Verne. La gran película del cine mudo de ciencia ficción fue ''Metrópolis (película)'', de Fritz Lang en 1927, la cual marcó estéticamente a muchos cineastas posteriores, pero que en su tiempo fue un fracaso de taquilla, costoso para los cánones de la época, y que por lo tanto, relegó a la ciencia ficción fílmica al plano de mero entretenimiento, sin mayor trascendencia intelectual, estigma que pesaría sobre el género hasta ''2001: A Space Odyssey (película) 2001: Odisea del espacio'' (1968). En la década de 1930, coincidiendo con la Gran Depresión y el Nazismo, se puso de moda el cine de terror, con clásicos como ''Dracula película 1931/ Dracula'' (con Béla Lugosi, dirigida por Tod Browning, en 1931), o ''El doctor Frankenstein'' de James Whale, con Boris Karloff (1931). Con éstos y otros filmes, los Estudios Universal crearon la imagen moderna de los clásicos monstruos de la literatura de terror.
La llegada del sonido permitió también el desarrollo de la comedia musical, género harto más amable, incluso de evasión, en donde primaba el peso de los números musicales y canciones por sobre la historia, y que fue el vehículo de lucimiento para diversos bailarines. Los más importantes fueron la dupla conformada por Ginger Rogers y Fred Astaire. El gran clásico del género es ''Cantando bajo la lluvia'' (1952).
Un género típicamente norteamericano que se desarrolló en aquellos años, fue el Western, en particular gracias al trabajo de cineastas como John Ford. El gran actor de westerns de la época fue John Wayne. El género fue muy exitoso en Estados Unidos, por construir una mitología fílmica de carácter nacionalista.
Su importancia tuvieron también los filmes de aventuras y de capa y espada. Muy exitoso en ese tiempo fue el cine de piratas. Quizás el más recordado héroe posterior a Douglas Fairbanks sea Errol Flynn (''Capitán Blood'', 1935), quien más o menos tomó su relevo en la década de 1930.
En cuanto a la comedia, su edad de oro comenzó con los Keystone Cops, los alocados cortos con policías de Mack Sennett, que inventaron el concepto de gag, incluyendo uno clásico: lanzarle pasteles de crema a la cara de la gente. Pero el primer gran personaje cómico fue el vagabundo sin nombre que Charles Chaplin interpretara en numerosos cortos, y más tarde en largometrajes como ''The Kid'' en 1921 o ''Luces de la ciudad'' en 1927. Otro cómico importante fue Buster Keaton. Más tarde llegaron El gordo y el flaco, Los Tres Chiflados, y Jerry Lewis.
POR ULTIMO
Por último se debe mencionar que con los largometrajes ''Blancanieves y los siete enanitos'' 1937 y ''Fantasía película Fantasía' 1940, Walt Disney impulsó definitivamente la industria del cine de animación, aunque la primera película del género es ''El Apóstol'' 1917, producida en Argentina por Quirino Cristiani.
Posiblemente la cúspide de las posibilidades del cine de la época, en términos de lenguaje cinematográfico, haya sido alcanzada por el filme ''Ciudadano Kane'', de Orson Welles, en 1941. Película polémica en su época, ha sido reconocida en retrospectiva como uno de los grandes hitos fílmicos de todos los tiempos, y sumó todos los experimentos conceptuales de la época, cerrando caminos y abriendo otros, razón por la cual figura regularmente como una de las mejores películas de todos los tiempos, en listados y reseñas críticas.
AVANCES DEL CINE.
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